Cantante actuaciones

FOTOGRAFIA AUTOGRAFIADA DE LA CANTANTE - LITA TORELLÓ - FOTOGRAFIA AUTOGRAFIADA DE LA CANTANTE - LITA TORELLÓ - Fotografia (9x15 cm) autografiada por Dolores Torelló, conocida artísticamente como "Lita Torello" (Barcelona,1946) cantante española especialmente activa en la década de 1960. Comienza su carrera en el año 1959, dos años después, en 1961, firma con la discográfica Vergara y participa en el Festival de la Canción del Mediterráneo, alcanzando el segundo puesto. Tras una estancia en Venezuela, trabajando en televisión, se convierte en una de las cantantes más prolíficas de España, llegando a editar c atorce Eps tan sólo entre 1964 y 1966 y participar en varias ocasiones en el Festival Internacional de la Canción de Benidorm. Por esa época llegó a realizar unas 200 actuaciones al año a lo largo de toda España. Abandonó prematuramente su carrera musical al casarse.   MIRA TODOS NUESTROS LOTES - VERAS COSAS INTERESANTES

Disco Pizarra -Tenor Juan García, El Trust de los Tenorios, La Alegría del Batallon Parlophon 26.046 Disco Pizarra -Tenor Juan García, El Trust de los Tenorios, La Alegría del Batallon Parlophon 26.046 JUAN FRANCISCO GARCÍA MUÑOZ. EL TENOR DE LOS REYES.             Juan Francisco García Muñoz nació en Sarrión el 8 de marzo de 1896, unos meses más tarde, el 27 de julio de ese mismo año, moría en Madrid el otro gran tenor turolense, Andrés Marín. Ausencia que algún tiempo después habría de suplir en los escenarios el sarrionense. RESUMEN EN EL HERALDO 21-04-2011 Ver también UN TENOR EN LA CORTE DE ALFONSO XIII             Su intuición musical la heredó de su padre que, aunque ciego, dirigía una rondalla y tocaba el órgano en su pueblo. Por su parte, su madre le transmitió una voz modulada que pronto comenzó a educar en el canto de la jota, así como también una sensibilidad muy especial para la interpretación.             A los once años, ayudado por su tío Elías García, a la sazón párroco de Valbona, se trasladó a Barcelona para estudiar en los Salesianos, donde complementó su formación cultural ordinaria con estudios de música, guitarra y piano. La difícil situación económica de su familia no le permitió continuar con sus estudios de música, por lo que se colocó como tipógrafo, al tiempo que cantaba en los coros de las zarzuelas que se representaban en el Tivoli.             En 1924, animado y ayudado por todos aquellos que vieron en él grandes facultades para el canto (quizá también por los triunfos de Fleta, el inmortal tenor aragonés, en Italia), se trasladó a Milán, “ la Meca del bel canto”, para completar su formación musical. Tras ejercer diversos oficios y estudiar bajo la batuta del maestro Arnaldo Galliera, inició una tan meteórica como exitosa carrera como tenor. Su rotundo triunfo en el Teatro del Casino Municipal de San Remo, con la ópera de Verdi Rigoletto, en febrero de 1925, con más de catorce noches seguidas de representación, le abrió las puertas de importantes escenarios operísticos de diferentes localidades de Italia.             En España su presentación tuvo lugar en la primavera de 1925, en el Teatro Tívoli de Barcelona, interpretando al protagonista de la ópera Manón, acompañado por la gran soprano francesa Genoveva Vix.             Tras su éxito en la ciudad Condal, parte hacia Egipto con la compañía de Pietro Mascagni, donde  tras triunfar en El Cairo y Port Said, fue abandonado en extrañas circunstancias, protagonizando un curioso episodio con conflicto diplomático incluido con los aviadores españoles, Esteve, Loriga y Gallarza, que en esos momentos se encontraban realizando la gesta de cubrir la distancia entre Madrid y Manila  y habían hecho escala en El Cairo.             De vuelta en España, retomó su carrera artística y para ello marcha de nuevo a Italia para continuar con su formación como cantante y seguir ampliando su repertorio operístico. Allí regresó a los escenarios y cantó junto a la gran diva Toti Dal Monte, en  los teatros más emblemáticos del país, como por ejemplo en el de La Fenice, de Venecia.             En 1927 debutó en Madrid en el teatro de la Zarzuela con El barbero de Sevilla, acompañando a la mejor mezzosoprano de la época, Conchita Supervía. En el aria del primer acto se acompañaba él mismo a la guitarra y siempre el público le reclamaba uno o varios bises de la misma (desde pequeño tocaba magníficamente la guitarra).             Su carácter sencillo y bondadoso le llevó a compaginar escenarios, desde los más elevados hasta los más humildes. Así, tan pronto cantaba en el Palacio Real en la cena de los Embajadores ante Alfonso XIII y Victoria Eugenia (lo hizo en múltiples ocasiones, por eso se le denominó como “el tenor de los Reyes), que interpretaba unos motetes en la Real Capilla el día en que tomó la birreta el cardenal de Toledo, cantaba el Himno de la Exposición Universal de Sevilla, actuaba ante más de 16.000 espectadores en la Plaza del Pueblo Español de Barcelona o se emocionaba ante los heridos de la guerra contra Marruecos en el Hospital de Carabanchel, a los que entregaba lo mejor de sí mismo con intervenciones más populares, en especial jotas, de las que fue un interprete muy especial, un verdadero maestro.             Los días 4 y 5 de mayo de 1929, convertido ya en un verdadero divo y en loor de multitudes, bajo la dirección del maestro Arturo Saco del Valle, se presentó en el teatro Marín de Teruel con Manon y El barbero de Sevilla, en sendas funciones a beneficio de los niños tuberculosos de Sarrión y Teruel. El lleno fue total y el éxito absoluto.             Hacia principios de los años treinta ya casi no se representa ópera en España, por lo que se dedicó sobre todo a la zarzuela, género en el que también alcanzó interpretaciones memorables, estrenando algunas de las más importantes del momento, es el caso de La moza vieja, del maestro Luna, Romero y Fernández Shaw, en cuyo estreno, en 1931, en el teatro Calderón, estuvo flanqueado por Celica Pérez Carpio, Flora Pereira y Aníbal Vela, o El ama, de Luis Fernández Ardavín y Jacinto Guerrero. Aunque quizá la zarzuela con la que más éxitos obtuvo fue con La Picarona, de Francisco Alonso.               Cansado de las representaciones diarias que exigía el mundo de la zarzuela, se orientó hacia los conciertos (en plazas de toros y teatros de las principales capitales españolas) en los que interpretaba un variado repertorio de romanzas de ópera, fragmentos de zarzuelas, canciones italianas y españolas (algunas de las cuales eran escritas por él mismo, pues siempre fue un inspirado letrista) o jotas, con las que siempre cerraba sus actuaciones y regalaba al público con generosidad. En esos conciertos le acompañaba un pianista joven, Juan Quintero, al que había contratado para actuar en una ocasión en Zaragoza. El trabajo en común fue tejiendo una profunda amistad y una colaboración artística importante que alcanzó un éxito sin precedentes en su momento con la popular canción “Morucha”, escrita por Juan García y música de su amigo.             En 1934 decidió formar una pequeña orquesta, integrada por doce profesores, para que le acompañaran en sus canciones. Así nació la agrupación “Juan García y su orquesta”, con la que recorrió España y Portugal.             En 1935 inició una corta carrera cinematográfica de la mano de los destacados realizadores Edgar Neville y Benito Perojo, con los que grabó varios cortos y compuso algunas piezas musicales para sus películas.               A comienzos de 1936, su espectáculo fue contratado por Radio Belgrano, de Buenos Aires, hacia donde embarcó. Nunca más volvió a pisar la tierra de España. Pero su patria siempre le acompañaba allá donde fuese, de manera que en todas sus actuaciones cantaba unas jotas, en especial títulos de fuerte sabor popular como la “Sarrionera”, “La regoldevera”, “No te subas a la parra”, “Despacico y callandico” o “La fematera”, de la que por cierto llegó a vender más de 500.000 copias de su grabación, un verdadero éxito para su época.             Pese a dejar más de doscientas grabaciones, falleció en el olvido en la capital argentina el 14 de agosto de 1969 de un infarto. Fuente: Unión Musical de Carrión

DUNCAN DHU - CANCIONES - VINILO ORIGINAL 1986 PRIMERA EDICION GRABACIONES ACCIDENTALES DRO DUNCAN DHU - CANCIONES - VINILO ORIGINAL 1986 PRIMERA EDICION GRABACIONES ACCIDENTALES DRO Duncan Dhu es un grupo musical español de rock originario de San Sebastián (Guipúzcoa, España) formado el 4 de agosto de 1984 tras la fusión de los principales integrantes de los grupos Aristogatos y Los Dalton. Sus miembros originales fueron Mikel Erentxun (cantante hasta entonces del grupo Aristogatos), Diego Vasallo (vocalista y bajista del grupo Los Dalton) y Juan Ramón Viles (guitarra y batería de los Dalton). Desde 1989 está compuesto por los dos primeros. El nombre del grupo hace referencia a un personaje de Secuestrado, una novela de 1886 de Robert Louis Stevenson. En ella, Duncan Dhu era el jefe de un clan escocés que fascinaba a Erentxun en aquellos años. En 1985 graban su primer disco, Por tierras escocesas, un mini-lp. Y un año después Canciones (ambos producidos por Paco Trinidad), con cuyos temas alcanzaron gran popularidad y consiguieron vender más de 175.000 copias. Su tema Cien gaviotas fue declarado single del año por muchas emisoras de radio. El primer álbum serio de Duncan Dhu fue 'Canciones', con el que consiguen numerosos números uno, con temas como 'Cien gaviotas', 'Esos ojos negros' o 'No puedo evitar pensar en ti'. A partir de ese momento, la popularidad del grupo crece enormemente y comienzan a realizar giras y actuaciones por toda España. Cara A: 1. «Cien gaviotas» (Diego Vasallo) 2:50 2. «Sangre azul» (Diego Vasallo) 2:35 3. «No puedo evitar (pensar en ti)» (Mikel Erentxun) 3:20 4. «Esperaré a que se esconda el sol» (Diego Vasallo) 2:57 5. «Jardín de rosas» (Joe Smith) 2:21 6. «Reina de África» (Mikel Erentxun) 2:50 Cara B: 7. «Cuando murió la luz» (Diego Vasallo) 2:00 8. «Revolución» (Mikel Erentxun) 2:45 9. «Sueño escocés» (Mikel Erentxun) 3:30 10. «Los llantos de la ciudad» (Juan Ramón Viles/Diego Vasallo) 2:35 11. «La vieja escuela» (Mikel Erentxun) 3:10 12. «Esos ojos negros» (Diego Vasallo) 3:33      

DISCO - VINILO - LP - LUIS ANGEL MERA - EL CAMINO DEL CAFE - SONOLUX - COLOMBIA - BOLEROS AÑOS 50 DISCO - VINILO - LP - LUIS ANGEL MERA - EL CAMINO DEL CAFE - SONOLUX - COLOMBIA - BOLEROS AÑOS 50 DISCO - VINILO - LP - LUIS ANGEL MERA - EL CAMINO DEL CAFE - SONOLUX  - COLOMBIA - BOLEROS AÑOS 50 Luis Ángel Mera Samaniego (1924 – 1972) Amigos: Luis Ángel Mera Samaniego,(1924-1972) barítono quilichagüeño,  de voz profunda, fue un artista muy reconocido que cantaba por los 1953-1954) y de brillantes actuaciones. Vivió sus primeros años en Palmira y en Medellín adelantó sus estudios musicales. Su última actuación la realizó en el Coliseo Cubierto de Cali en 1960.     Luis Ángel Mera Samaniego, formidable barítono, nació en Santander de Quilichao, el 19 de septiembre de 1924, y era tal su categoría que llegó hasta el exclusivo escenario del "Metropolina Opera House". Mera fue "descubierto" por el gran maestro Pietro Mascheroni en el Club Unión de Medellín, cuando era el cantante de un grupo llamado "La pelotera". El maestro entonces le preguntó a Mera: "¿Usted qué hace? " y Mera le respondió: " Estudio química en la UPB". Y el canto? "Lo hago en mis ratos libres". Es entonces cuando Marcheroni le dice: "deje esa cosa de la química que lo suyo es el canto. Sus condiciones son excepcionales. Hace mucho tiempo no escucho una voz como la suya". Sin abandonar sus estudios universitarios, Luis Ángel comenzó a cantar con la orquesta dirigida por Mascheroni de la emisora " La voz de Medellín". A comienzos del otoño de 1945 fue llamado por el Metropolitan Opera House de Nueva York para que hiciera el Don Basilio de "El Barbero de Sevilla" compartiendo escena con el fabuloso tenor Tito Schipa quien hacía el "Conde de Almavida" en la ópera. La actuación de Mera le valió ser tenido en cuenta para hacer luego los papeles de "Colline" y "Marcelo" en ‘La bohemia’ de Puccini. Luego la "Julliard School of Music" de Nueva York, una de las más afamadas academias del mundo, le otorgó una beca para continuar sus estudios de canto durante dos años más. A su regreso a Colombia contrae matrimonio con Ana Milena Barona. Al regreso de su último viaje a Nueva York se perdió en la bohemia hasta morir en extrañas circunstancias: en la mañana del sábado 19 de agosto, un mes antes de cumplir 48 años, Luis Ángel fue encontrado por dos agentes en la Avenida Roosevelt de Cali. Estaba tendido en el andén, descalzo, con las manos ensangrentadas pero aún con vida. Cuando uno de ellos lo levantó, le preguntó quién era y él respondió: “Soy el hijo de Benjamín y Primitiva”, y lo repetía durante el corto trayecto que recorrió la radiopatrulla desde la Roosevelt hasta el Hospital Departamental adonde ingresó como NN. Luis Ángel Mera falleció poco después. El parte médico decía que la muerte se había producido por un trauma craneoencefálico causado por golpe contundente. No hubo homenajes, sólo silencio y oscuridad.        

marshall tucker band / Where we all belong 74 (DOBLE LP / ORIG EDIT USA / C DANIELS,E BISHOP !! EXC marshall tucker band / Where we all belong 74 (DOBLE LP / ORIG EDIT USA / C DANIELS,E BISHOP !! EXC ** PODEMOS ENVIAR TU COMPRA HASTA TU DOMICILIO DEL MODO MAS ECONOMICO*   DOBLE LP !!!! !! 25 AÑOS VENDIENDO MATERIAL IMPORTADO ORIGINAL PARA COLECCIONISTAS DE TODO EL MUNDO !!!! * TE VENDEMOS MARCOS DE ALTA CALIDAD PARA ENMARCAR TUS DISCOS, PIDENOS INFORMACION AQUI UNO DE LOS MAS GRANDES ALBUNES DE SUREÑO DE TODOS LOS TIEMPOS..CON INVITADOS DE LUJO..COMO.. ELVIN BISHOP, CHARLIE DANIELS, PAUL HORNSBY,..ETC.. ATENCION A LA BESTIAL VERSION DEL CLASICO.. Everyday (I Have The Blues) SUREÑO GENUINO Y DEL BUENO..!!!!!! IMPRESCINDIBLE.. SENSACIONAL ALBUN,  EDICION CON LA PRECIOSA DOBLE CARPETA TEXTURADA Y CONTENIENDO LOS 2 BONITOS ENCARTES INTERIORES DEL LABEL CAPRICORN...se puede pedir mas ???, gran copia !!!! TODO EN ESTADO EXC, UNA DE NUESTRAS MEJORES COPIAS HASTA LA FECHA !! si esta buscando este albun en su mejor edic, ya la encontraste ! La Marshall Tucker, fue la banda que cerró el triángulo de oro dentro del rock sureño junto a las otras dos más representativas del género, The Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd, teniendo cada una de estas formaciones caminos y orientaciones diferentes, pero tomando como base el sonido y sentimiento sureño como raíz de su música. El distintivo esencial de la Marshall y el sello único e inconfundible que marcó su obra fue el Country-Rock y la cultura "cowboy ", adoptando cierta actitud derivada del "salvaje oeste" en su música, llevada a cabo con gran acierto por los hermanos Toy y Tommy Caldwell. Nunca renunciaron a otros estilos como el rythm & blues, rock, blues o incluso el jazz, dada las aportaciones de unos magníficos, extraordinarios e incansables músicos que eran pura energía, sobre todo en sus memorables directos. Realizaban actuaciones increíbles, llegando incluso a ser delirantes para un público súper entregado. "Where We All Belong" doble álbum y tercero en su discografía, fue publicado en 1975 y se compone de una parte grabada en estudio y otra en directo, además de suponer un punto crucial en su carrera. Comienzan con el clásico "This Ol'Cowboy", un bello tema dedicado al héroe de Toy Caldwell, el actor y mito eterno del Western, John Wayne. Como dato anecdótico, posteriormente Caldwell le compraría el caballo que utilizó en 1969 en la oscarizada "True Grit" (Valor de ley). De claro estilo country-rock, con el uso de instrumentos propios del género como el banjo, Steel- guitar, la flauta o el violín, nos encontramos temas como "Low Down Ways", o una auténtica balada romántica "In My Own Way". El resto de temas de esta parte fueron grabados en los estudios Capricorn, todos ellos soberbios y podemos destacar "Where A Country Boy Legends", que contó con la ayuda de un guitarrista excepcional llamado Elvin Bishop, que en años anteriores participó con los Allman Brothers y en esta ocasión a la slide-guitar. En la parte de estudio, la Marshall estuvo formada por Toy Caldwell a las guitarras, su hermano Tommy Caldwell (bajo), George McCorkle (guitarra y banjo), Jerry Eubanks (flauta y saxo), Doug Gray (voz) y Paul Riddle a la batería. Estos eran los integrantes originales de la banda, a la que se incorporaron un buen número de músicos de reputado prestigio como fue el caso del legendario Charlie Daniels al violín, Paul Hornsby al piano, Johnny Vernazza a la slide y entre otros, al anteriormente mencionado Elvin Bishop. La segunda parte del álbum fue capturada el 11 de julio de 1974 en el Uhlein Hall Arts Center de Milwaukee, con la banda original y la inestimable colaboración de Charlie Daniels. Abren con la incendiaria y explosiva "Ramblin'", un tema rápido con un Toy imparable a la guitarra eléctrica, equiparándose a leyendas como Duane Allman. En "24 Hours At A Time", se puede disfrutar de uno de los temas más recordados y de una formación sobresaliente, ejecutando una colosal jam que se convertiría en su himno oficial. A continuación desgranando el clásico de B.B King "Everyday (I Have The Blues)", una Marshall pletórica nos obsequia con otro espléndido tema. Y para finalizar "Take The Higway", otro de sus clásicos. Unidos bajo un mismo sentimiento, "The Marshall Tucker Band" originarios de Spartanburg en Carolina del Sur nos dejan uno de sus álbumes más célebres, siendo uno de los mejores exponentes dentro del rock-sureño y narrándonos sus epopeyas por el "viejo oeste" como si fuésemos viajando en una antigua diligencia... Esta banda maravillosa formada en 1971 en Spartanburg, Carolina del Sur, por los hermanos Caldwell, Toy a la guitarra y Tommy al bajo, el cantante Doug Gray, el guitarrista George McCorkle, el batería Paul Riddle, así como Jerry Eubanks a las flautas, combinaba a la perfección el Rock, con el country, con el blues y con el Jazz. La banda adquirió un notable reconocimiento en los años 70 (época de apogeo del Rock Sureño), pero la muerte de Tommy Caldwell en accidente de coche en 1980, y el abandono de Toy Caldwell en 1982 para iniciar una carrera en solitario llevó a que la banda se disolviera en 1983. A finales de los 80 la banda se reformó, liderada por Gray y Eubanks, y con diversas formaciones y con muchos cambios, la banda sigue hoy en día, aunque lejos del esplendor de los años 70.- Yo reconozco que le tengo un cariño especial a esta disco, que está compuesto en parte por material de estudio, y en parte por grabaciones en directo. Destacan, además de la mencionada "How can i slow down", temas como "This Ol' Cowboy", "Low down ways", o la brutal "Ramblin'". Discazo de una banda formidable, que debeis escuchar si no conoceis, porque realmente eran fantásticos   Track Listing 1. This 'Ol Cowboy 2. Low Down Ways 3. In My Own Way 4. How Can I Slow Down 5. Where A Country Boy Belongs 6. Now She's Gone 7. Try One More Time 8. Ramblin (Live) 9. 24 Hours At A Time (Live) 10. Everyday (I Have The Blues) (Live) 11. Take The Highway (Live)     Track Listing 1. This 'Ol Cowboy 2. Low Down Ways 3. In My Own Way 4. How Can I Slow Down 5. Where A Country Boy Belongs 6. Now She's Gone 7. Try One More Time 8. Ramblin (Live) 9. 24 Hours At A Time (Live) 10. Everyday (I Have The Blues) (Live) 11. Take The Highway (Live)  

Camilo Sesto - De Madrid con amor - LaserDisc Camilo Sesto - De Madrid con amor - LaserDisc Camilo Sesto: De Madrid con amor. Recopilatorio de actuaciones musicales del cantante de baladas Camilo Blanes Cortés (1946-2019), más conocido por su nombre artístico Camilo Sesto. Rareza extrema. No encontrarás ninguna otra copia en otra parte. Formato de vídeo LaserDisc NTSC. Editado únicamente en pequeña tirada en Japón en el año 1985. Calidad de imagen y sonido excelentes gracias a la ausencia de compresión del formato LaserDisc. En muy buen estado a pesar del paso de los años. Conserva su OBI triangular, así como la hoja con descripciones sobre los conciertos, fotografías, la lista de canciones y la letra de las mismas. Oportunidad única para coleccionistas de artículos de Camilo Sesto.

DISCO 78 RPM PIZARRA. ROBERTO INGLEZ Y SU ORQUESTA - SERENATA PORTUGUESA (BOLERO) - MI LOCO CORAZON. DISCO 78 RPM PIZARRA. ROBERTO INGLEZ Y SU ORQUESTA - SERENATA PORTUGUESA (BOLERO) - MI LOCO CORAZON. Viajes entre Europa y América, y notables asociaciones musicales marcaron la peculiar vida del pianista Roberto Inglez, uno de los mejores arregladores de orquesta que en Chile se vinculó a la música popular, y conocido, sobre todo, por su colaboración de años con Lucho Gatica.   Como puede sospecharse a partir de su curioso apellido artístico, Roberto Inglez se hizo famoso con un seudónimo, pues fue como Robert Inglis que nació y creció en la lejana Escocia. Con su nombre verdadero se granjeó el primer prestigio artístico en su ciudad natal (junto a la banda The Melodymakers) y, más tarde, en Londres. En 1937 había conocido al músico de ascendencia venezolana Edmundo Ros, destacado arreglador que recién llegaba a la capital inglesa y que de inmediato reclutó a Inglis como pianista.   Un británico en Sudamérica Más tarde, el escocés destacaría en la dirección de la banda «latina» estable del Savoy Hotel, con la cual comenzó a grabar exitosos discos para el sello Parlophone a partir de 1945. En 1952, Inglez y su orquesta de treinta músicos realizaron su primera gira a Brasil, para muy lucrativas actuaciones en Río y Sao Paulo.   Inglez emigró a Chile ya como un músico adulto y experimentado. Corría marzo del año 1954 y el escocés llegaba a Santiago no sólo detrás de Patricia Palma, funcionaria de la embajada chilena en Londres y su futura esposa, sino también de Lucho Gatica, a quien había conocido en Londres y con quien conversó la posibilidad de hacerse cargo de sus grabaciones. Definió la mudanza como un paso natural: el músico estaba convencido de la afinidad espontánea entre su carácter europeo y los ritmos de baile latinoamericanos. Junto a Lucho Gatica afirmó entonces una sociedad de presentaciones frecuentes al menos durante 1955 y 1956, en escenarios de Argentina, Uruguay, Brasil, Perú, Ecuador, Colombia, Cuba y Estados Unidos.   Roberto Inglez y su Orquesta Romanza animaron infinitas noches de Santiago, Nueva York y Madrid, y fue con la voz solista de Monna Bell que alcanzó sus cumbres de popularidad durante la década de los cincuenta (fueron la banda estable del hotel Waldorf-Astoria, en Manhattan, durante al menos un año). Inglez fue un nombre habitual en el circuito nocturno español, y grabó allí varios discos, además de consagrarse en clubes legendarios, como el madrileño Pasapoga. Pese a sus orígenes, no quedan dudas de su preferencia por el repertorio latinoamericano, y sus grabaciones combinan boleros, mambos y sambas, tanto con Monna Bell como con otras solistas destacadas, como la brasileña Dalva de Oliveira (con la cual grabó diecisiete discos-single), el intérprete boliviano Raúl Shaw Moreno y el grupo de la Nueva Ola Los Rockets.   El quiebre con la cantante chilena (quien luego destacó como solista en España y México) apuró su regreso a Santiago, donde a Inglez no le faltaban los encargos. A principios de los años sesenta llegó a ser director de radio Portales (allí apoyó la carrera inicial de Palmenia Pizarro) y, más tarde, quedó a cargo del sello IRT, entonces nacionalizado (fue él quien fichó a Zalo Reyes, por ejemplo). Fue su última responsabilidad profesional: Inglez falleció en Santiago en 1977, y hoy internet ubica sus discos de colección junto a los de arregladores tan fundamentales como Xavier Cugat.   Nuestros lotes: http://www.todocoleccion.net/viceans_vendedorTC