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ASÍ FUE LA DICTADURA: DIEZ HISTORIAS DE LA REPRESIÓN FRANQUISTA (CRÓNICA Y PERIODISMO)
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ASÍ FUE AUSCHWITZ: TESTIMONIOS 1945-1986 (IMPRESCINDIBLES)
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LOS CUENTOS DE ASÍ FUE: 2 (AKAL LITERATURAS)
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Y ASÍ FUE
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CUENTOS DE ASÍ FUE (BLACKIE LITTLE)
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España (Todas las ciudades)
Referencia: 80001420 Condición del libro: Normal C.S.I.C. Madrid 1971 25 x 17 cm., XV + 347 pag. + XXXVII laminas Tela editorial con sobrecubierta; optimo estado de conservacion. BIOGRAFIAS-MEMORIAS CULTURA. Ejemplares disponibles: 4
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Santa Cruz de Tenerife (Santa Cruz de Tenerife)
ASI FUE LA REVOLUCIÓN RUSA - 1917 ASI FUE LA REVOLUCIÓN RUSA - 1917
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Arucas (Las Palmas)
ASÍ FUE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL Editada por NOGUER-RIZZOLI-PURNELL el año 1972. Completa 6 tomos
El exterior de algunos tomos han perdido el color, pero el interior apenas ha sido abierto.
Medidas de cada tomo 33X26cm
SOLO ENTREGA EN MANO.
20 €
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España (Todas las ciudades)
Así es la Bolsa, es la obra más importante de André Kostolany. El libro fue editado por Vergara en el año 1962. Sin duda un ejemplar de colección, descatalogado y muy difícil de conseguir. El libro está en buen estado de conservación, teniendo en cuenta los años que tiene. Las páginas están algo amarillentas por el paso del tiempo, pero no tienen anotaciones ni subrayados. Hago envíos a través de Wallapop. Puedes ver más libros interesantes en mi perfil Etiquetas: trading, trader, bolsa, inversión, bursátil, mercados, dinero, economía, divisas, forex
90 €
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Zaragoza (Zaragoza)
Prestigiosa enciclopedia titulada: Así fue la Segunda Guerra Mundial, de Noguer - Rizzoli - Purnell. 400 páginas / tomo.
Con muchos gráficos, detalles y fotografías de la Contienda.
Muy bien encuadernada y calidad de papel y guarnecidos.
Dimensiones: 33 x 26 x 2,5. Peso: 15 kg.
Saludos.
30 €
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Barcelona (Barcelona)
COLECCION 6 TOMOS , NOGUER-RIZZOLI-PURNELL TOTAL 2368 PAGINAS MUY ILUSTRADA AÑO PUBLICACION EN ESPAÑA 1972, MUY ILUSTRADA PERFECTO ESTADO, SOLO LOS LOMOS TIENEN LIGERA DECOLORACION POR EL PASO DEL TIEMPO, AUNQUE DE PRINCIPIO EL GRABADO DE LA TAPA ERA MAS INTENSO
30 €
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España (Todas las ciudades)
Pack de 6 tomos. Tomos 1 al 6, ambos inclusive. Noguer. Barcelona. Año 1972. 1ª edición
45 €
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España (Todas las ciudades)
Incluye algunas fotografías y dibujos en blanco y negro. Juventud. Barcelona. Año 1962. 1ª edición
10 €
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España (Todas las ciudades)
ASÍ FUE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL. 6 volúmenes: Obra completa. Vol. 1: De los preliminares a los planes de Rommel (marzo-abril de 1941) Vol. 2 : De la guerra en el Mediterráneo a la contraofensiva rusa de invierno (enero 1941-marzo 1942). Vol. 3: De la operación ?Cerbero? a la batalla de Mareth (marzo de 1943). Vol. 4: Del fin de la guerra en África al viraje decisivo en Birmania (julio de 1944). Vol. 5: Del ?D-Day? a la batalla de Leyte (junio-diciembre 1944). Vol. 6: De la invasión del Reich a la capitulación del Japón. VV.AA, Asesor principal Manuel Aznar Zubigaray. Editorial NOGUER.RIZZOLI-PURNELL. Año 1972. Recogida en las Rozas de Mad
150 €
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España (Todas las ciudades)
COLECCIÓN COMPLETA ASI FUE LA 2ª GUERRA MUNDIAL ANTIGUA ENCICLOPEDIA COMPLETA DE 6 TOMOS - ASÍ FUE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL - NOGUER, RIZZOLI Y PURNELL - AÑO 1972 - EN PERFECTO ESTADO - CON MULTITUD DE FOTOGRAFÍAS Y DATOS. IDEAL REGALO PARA AMANTES DE LA HISTORIA
35 €
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Huesca (Huesca)
ISABEL PANTOJA - ASÍ FUE - SINGLE - 1988 ISABEL PANTOJA - ASÍ FUE - SINGLE - 1988 Todos los Discos de Vinilo Están Perfectamente Revisados. Pertenece a mi Colección Paticular. Tengo muchos más....¡Miles de Discos! PORTADA/COVER: VG+ VINILO/VINYL: VG++ Un Hit en RadioHitsRecords
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Zaragoza (Zaragoza)
JESS & JAMES - NUBES / ASI FUE EN ESPAÑOL 7' VINYL SPANISH BELTER 07-577. M-M (NUEVO) JESS & JAMES - NUBES / ASI FUE EN ESPAÑOL 7' VINYL SPANISH BELTER 07-577. M-M (NUEVO) ENVIO CERTIFICADO 6€ (CON TODAS LAS GARANTIAS). (SHIPPING REGISTERED LETTER). PESA MAS DE 100g. ENVIO COMBINADO: HASTA 2 KG. 9€. SHIPPING TO EUROPE 11€ VALORACIÓN DEL ESTADO DE USO:: - G / GOOD: Muy usado y con bastantes marcas superficiales en el vinilo, que no suelen afectar en exceso al sonido. En la portada suele haber roces, restos de etiquetas adhesivas, marcas ó algunas manchas. - VG / VERY GOOD: Vinilo usado, pero el estado es bueno. Algunas marcas superficiales en el vinilo y en la portada puede haber roces, restos de etiquetas adhesivas, algunas señales o manchas. - VG+: Está usado, pero no hay prácticamente marcas superficiales en el vinilo, rozaduras mínimas de desgastes en la portada. - NM / NEAR MINT: Como nuevo, en muy buenas condiciones, casi perfecto. M/MINT: NUEVO SIN NINGÚN USO O PRECINTADO DE ORIGEN.
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A Coruña (A Coruña)
ISABEL PANTOJA / ASI FUE / SINGLE 7 PULGADAS ISABEL PANTOJA / ASI FUE / SINGLE 7 PULGADAS SE APRECIA CON MUY POCO USO Aviso importante sobre el estado de los artículos en general: La mayoría de los discos llevan años almacenados y algunas carpetas y fundas pueden oler a viejo, a humedad o presentar señales de moho. Los lps suelen proceder de particulares. Los maxi-singles de 12 pulgadas casi todos proceden de discotecas. Las fundas de algunos discos suelen estar algo rotas o abiertas y algunos no traen la funda interior. Muchos discos presentan las típicas finas líneas de superficie y la funda suele estar gastada por los cantos y las esquinas o pueden tener pintadas o pegatinas. Los singles pequeños de 7 pulgadas suelen tener dobleces en las fundas y estar algo rotas por los cantos y bastante rozadas por los cantos y las esquinas, con pequeñas roturas en los bordes, también es normal que tengan pintadas y alguna pegatina y estén rozadas en superficie por lo que se nota la marca del disco. El disco suele presentar finas líneas de superficie y no tienen funda interior. Muchas fundas pueden presentar suciedad del paso del tiempo. Otros singles están en muy bien estado, pues proceden de emisoras de radio. Sobre todos los discos en general: si hay algún defecto considerable que supere las características señaladas ya se detalla en las características del lote. La expresión 'uso normal', indica que el disco puede estar sucio y presentar finas líneas de superficie y la funda estar gastada por cantos y esquinas, tener pequeñas roturas y dobleces, además de escritos y pegatinas, aunque la audición del vinilo es buena. Muchos discos están sucios porque llevan mucho tiempo almacenados y deben ser lavarlos. Todos los discos se revisan antes de ponerlos a la venta y, además, antes de su envío al comprador. De todas formas, si encuentra algún defecto que no haya sido anunciado, por favor, comuníquenoslo, aceptamos devoluciones siempre que estén debidamente justificadas, aunque no abonamos los gastos de envío, sólo el importe del artículo. SI TIENE DUDAS, POR FAVOR, CONSULTE SOBRE EL ESTADO DEL ARTICULO Y LOS GASTOS DE ENVÍO ANTES DE COMPRAR. GRACIAS.
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Madrid (Madrid)
CUENTOS DE ASI FUE - LOS CUENTOS DE ASI FUE - LOS Autor/es: KIPLING, RUDYARD. ED. AKAL: LITERATURAS (2003, TAPA BLANDA, BUEN ESTADO
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España (Todas las ciudades)
VICENTE ROJO: ASÍ FUE LA DEFENSA DE MADRID. APORTACIÓN A LA HISTORIA DE LA GUERRA EN ESPAÑA 1936-39
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Barcelona (Barcelona)
NUNCA FUE TAN HERMOSA LA BASURA NUNCA FUE TAN HERMOSA LA BASURA Titulo: NUNCA FUE TAN HERMOSA LA BASURA. ARTÍCULOS Y ENSAYOS Subtitulo: ARTÍCULOS Y ENSAYOS Autor: PARDO TORÍO, JOSÉ LUIS Colección: ENSAYO Editorial: Galaxia Gutenberg Idioma Publicación: Español, Castellano Isbn: 9788481098556 Fecha de publicación: 2010 Encuadernacion: Tapa Dura con Sobrecubierta Páginas: 400 Referencia: 9999903297314/3581 Observaciones:. Descripción: ®La riqueza de las sociedades en las que domina el modo de producción capitalista se presenta como una inmensa acumulación de mercancías.¯ Así comienza El capital. Hoy en día la riqueza se presenta como una inmensa acumulación de desechos: la basura es síntoma de bienestar. José Luis Pardo nos habla de una forma descualificada de interpretar la realidad y elaborar contenidos culturales, un proceso imparable que comenzó con la Revolución industrial. ?ste es el hilo conductor de una obra que transita entre conceptos tan dispares como literatura y economía, poesía y revolución, arte y comida rápida. Todo ello con un enfoque que huye de los lugares comunes y apunta alto y claro a nuestros prejuicios -culturales y filosóficos- más arraigados.
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España (Todas las ciudades)
De Gayle Forman. En perfecto estado, también tengo el primer libro, como se ve en la foto. Tengo la oferta de los dos por 10€ Tengo más libros así en mi perfil.
7 €
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España (Todas las ciudades)
Se vende en PERFECTAS CONDICIONES, sin apenas uso. Lo compré creyendo que lo utilizaría pero no fue así. Se puede probar sin compromiso para seguridad del comprador, funciona perfectamente y viene con su caja y manuales.
65 €
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España (Todas las ciudades)
Uno de ellos está ya envuelto porque anteriormente me lo iban a pedir y al final no fue así.Muy buen estado ambos.
8,5 €
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Badajoz (Badajoz)
EXTREMODURO. Rock Transgresivo. Primera Maqueta. Año 1989. Manuscrita por Robe Iniesta. EXTREMODURO. Rock Transgresivo. Primera Maqueta. Año 1989. Manuscrita por Robe Iniesta. Ante la dificultad que encontraban para poder grabar un disco, decidieron ir vendiendo papeletas canjeables por una copia de la maqueta cuando esta fuera grabada y editada. Llegaron a vender 250 de estos boletos, por lo que se encerraron en los estudios Duplimatic en enero de 1989 y editaron una tirada de mil copias de esta primera maqueta, titulada Rock transgresivo, que distribuyeron por la región extremeña y la enviaron a discográficas, concursos y programas de radio. La distribución de esta maqueta empezó a llamar la atención dentro y fuera de su Plasencia natal. Tanto fue así que el programa de televisión Plastic los llamó para grabar dos vídeos con los temas «Extremaydura» y « Jesucristo García », utilizando el audio de la maqueta, y además quedaron seleccionados para la final del trofeo nacional Yamaha, en el que quedaron terceros.
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España (Todas las ciudades)
Si se trata del heredero, habrá que buscar al mejor para educarlo. Siempre fué así en la corte. Los principios y conocimientos con que se forme al futuro Rey deberán ser sólidos... Corimbo, Editorial S.L.. Barcelona. Año 2003. 1ª edición
2 €
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Zaragoza (Zaragoza)
THE BEATLES * DECCA TAPES * LP 180g Vinilo transparente * Nuevo THE BEATLES * DECCA TAPES * LP 180g Vinilo transparente * Nuevo 1961. Brian Epstein, mánager de una joven banda de Liverpool, se desplaza a Londres en busca de una compañía discográfica que quisiera dar una oportunidad a unos, por entonces completamente desconocidos, The Beatles. En su vehemente búsqueda trató con casas del renombre de Columbia o Philips Records, pero ninguna accedió a concederles ni tan siquiera una audición, así que mucho menos pudo lograr alguna firma. Sin embargo, el que quedara tan fascinado por Lennon, McCartney, Harrison y Pete Best (primer baterista antes de la llegada de Ringo Starr) cuando acudió una noche a un club de rock de la calle Mathew Street, conocido como The Cavern, no iba a cejar en su empeño por conseguirles, al menos, la posibilidad de que demostraran su talento. Y, finalmente, los Decca Records decidieron brindarles una pequeña oportunidad(posteriormente se supo que fue el propio Epstein quien había pagado al sello discográfico para que les posibilitara el encuentro). Fue entonces cuando el productor Dick Rowe mandó a su asistente Mike Smith a Liverpool para escuchar al grupo, también impresionado por la fe de Epstein, quien decía que “The Beatles llegarían a ser más grandes que Elvis”. Tras oírlos en directo, pactaron la audición para alrededor de veinte días después, el 1 de enero de 1962. Los Beatles decidieron emprender el viaje el día antes y pasar la noche en Londres, y aunque víspera de año nuevo no es buena fecha para viajar Neil Aspinall, compañero y amigo del colegio de McCartney y Harrison que había sido contratado en julio de ese año por la banda como road manager, puso su furgoneta con destino a la capital inglesa. No obstante, sería ese viaje el primer presagio de que la grabación con Decca no estaba destinada a convertirse en un evento que marcara un antes y un después en la historia de The Beatles, o por lo menos no de la forma que esos cuatro jóvenes británicos tendrían en mente en la parte trasera del auto de Aspinall, quien se confundió de trayecto e hizo que la travesía durara aproximadamente diez horas. Al día siguiente se produjo la famosa actuación marcada por varias circunstancias. En primer lugar la duración, ya que los Beatles sólo pudieron tocar durante alrededor de una hora. Además, las canciones que tocaron fueron las que Brian Epstein había decidido previamente, siendo sólo tres de ellas obra de John y Paul (“Like Dreamers Do”, “Hello Little Girl” y “Love of the Loved”). Sin duda uno de los puntos fuertes de en lo que se convertiría posteriormente el Fab Four era la capacidad compositiva del dúo Lennon-McCartney, un elemento que se mostró parcialmente encadenado en los estudios de Decca. El resto de piezas que tocaron fueron covers de hits célebres del momento, destacando el “Memphis, Tennessee” de Chuck Berry y el “Crying, Waiting, Hoping” de Buddy Holly, o canciones más antiguas con arreglos modernos como el “Bésame Mucho” de la mexicana Consuelo Velázquez. Es indudable que el setlist elegido por el mánager del grupo no fue el más acertado, quizás ciertamente conservador dada la naturaleza de todas las pistas, más calmada y pausada que el rock que solían tocar en The Cavern y que sería el germen de lo que se estaba cocinando. Además, como decimos, en la formación aún se encontraba un Pete Best cuya habilidad con las baquetas era bastante limitada y muy por debajo del nivel de los otros tres Beatles. Durante la audición, producida por Mike Smith, surgieron varias discrepancias, ya que la voz de los de Liverpool no era la de siempre, se mostraba dubitativa, y por ello Epstein sugirió cambios sobre la marcha que no resultaron efectivos. El cuarteto volvió a casa a la espera de la respuesta de los ejecutivos de Decca mientras en el estudio se producía ese mismo día otra sesión con The Tremeloes. Dicha respuesta se demoró varias semanas y fue, para decepción de los Beatles, negativa. La discográfica decidió rechazar al grupo alegando que la utilización de la guitarra eléctrica estaba en decadencia y acabaría en desuso, por lo que los grupos que se basaban en ese sonido no triunfarían.Además, Rowe, quien al final tomó la decisión de elegir a The Tremeloes (sin eludir a Mike Smith que influyó enormemente en la decisión puesto que era él quien había escuchado más a ambas bandas), aconsejó a Epstein que se olvidara de ellos, los dejara de lado y se dedicara a producir discos de otras bandas de su ciudad porque “Los Bealtes no tienen futuro en el negocio de la música”. Decca Records y Dick Rowe dejaron escapar la oportunidad de tener en sus filas a la que se convertiría en la banda más grande del mundo, aunque el propio McCartney declaró que pese a que en su momento su opinión era otra, ahora no le parece disparatado que no les contrataran ya que la calidad de su sesión no fue ni mucho menos extraordinaria. Lennon siempre se mantuvo enojado y rencoroso con Decca, y Harrison, paradójicamente, los ayudó y aconsejó contratar a The Rolling Stones, previniendo así que el sello cometiera un error de tal calibre dos veces. Brian Epstein por su parte no hizo caso a Decca y siguió trabajando con The Beatles para que seis meses después lograran otra audición, en este caso con Parlophone Records, una subsidiaria de EMI, con el resultado que todos sabemos. Los temas tocados no variaron mucho respecto a los que presentaron a Decca, pero no se olvidaron de “Love Me Do”, “P.S. I Love You” y “Ask Me Why”, que formarían parte de su álbum debut de 1963, “Please Please Me”. Allí conocieron a otro hombre que sería clave en su camino, George Martin, quien a la postre produciría toda su discografía excepto su último álbum, “Let It Be”, siendo Phil Spector el encargado de hacerlo. Fue él también quien desaprobó la presencia de Pete Best en el grupo, aunque la llegada de Ringo fue cosa de los propios Beatles. Si bien también han circulado varias teorías al respecto de esto, McCartney explicó que su amistad no podía comprometer su carrera profesional y en definitiva, su forma de vida. Martin supo ver lo que en Decca no hicieron, y aunque la calidad de su música aún estaba lejos de lo que podían esperar de ellos, había potencial, su sonido podía pulirse. Y así comenzó a trabajar con ellos para que poco tiempo después se convirtieran en un fenómeno de masas nacional y posteriormente mundial. Aun teniendo a los Rolling Stones, seguramente Dick Rowe, Mike Smith y toda la casa discográfica Decca estuvieron un buen tiempo dándose de cabezazos contra las paredes por dejar pasar la oportunidad de tener a unos Beatles que tampoco podemos saber si se hubieran convertido en lo que fueron sin George Martin quien, dado su peso en la trayectoria de la banda, se disputa con Epstein el título de ‘El Quinto Beatle’. Este disco único en edición muy limitada recoge todas estas grabaciones. Documento histórico. El disco está completamente nuevo!. CARA 1: 1. Like Dreamers Do 2. Money 3. Till There Was You 4. Sheik Of Araby 5. To Know Her Is To Love Her 6. Take Good Care Of My Baby 7. Memphis 8. Sure To Fall CARA 2: 1. Hello Little Girl 2. Three Cool Cats 3. Crying, Waiting, Hoping 4. Love Of The Loved 5. September In The Rain 6. Bésame Mucho 7. Searchin'
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Madrid (Madrid)
Disco Pizarra -Tenor Juan García, El Trust de los Tenorios, La Alegría del Batallon Parlophon 26.046 Disco Pizarra -Tenor Juan García, El Trust de los Tenorios, La Alegría del Batallon Parlophon 26.046 JUAN FRANCISCO GARCÍA MUÑOZ. EL TENOR DE LOS REYES. Juan Francisco García Muñoz nació en Sarrión el 8 de marzo de 1896, unos meses más tarde, el 27 de julio de ese mismo año, moría en Madrid el otro gran tenor turolense, Andrés Marín. Ausencia que algún tiempo después habría de suplir en los escenarios el sarrionense. RESUMEN EN EL HERALDO 21-04-2011 Ver también UN TENOR EN LA CORTE DE ALFONSO XIII Su intuición musical la heredó de su padre que, aunque ciego, dirigía una rondalla y tocaba el órgano en su pueblo. Por su parte, su madre le transmitió una voz modulada que pronto comenzó a educar en el canto de la jota, así como también una sensibilidad muy especial para la interpretación. A los once años, ayudado por su tío Elías García, a la sazón párroco de Valbona, se trasladó a Barcelona para estudiar en los Salesianos, donde complementó su formación cultural ordinaria con estudios de música, guitarra y piano. La difícil situación económica de su familia no le permitió continuar con sus estudios de música, por lo que se colocó como tipógrafo, al tiempo que cantaba en los coros de las zarzuelas que se representaban en el Tivoli. En 1924, animado y ayudado por todos aquellos que vieron en él grandes facultades para el canto (quizá también por los triunfos de Fleta, el inmortal tenor aragonés, en Italia), se trasladó a Milán, “ la Meca del bel canto”, para completar su formación musical. Tras ejercer diversos oficios y estudiar bajo la batuta del maestro Arnaldo Galliera, inició una tan meteórica como exitosa carrera como tenor. Su rotundo triunfo en el Teatro del Casino Municipal de San Remo, con la ópera de Verdi Rigoletto, en febrero de 1925, con más de catorce noches seguidas de representación, le abrió las puertas de importantes escenarios operísticos de diferentes localidades de Italia. En España su presentación tuvo lugar en la primavera de 1925, en el Teatro Tívoli de Barcelona, interpretando al protagonista de la ópera Manón, acompañado por la gran soprano francesa Genoveva Vix. Tras su éxito en la ciudad Condal, parte hacia Egipto con la compañía de Pietro Mascagni, donde tras triunfar en El Cairo y Port Said, fue abandonado en extrañas circunstancias, protagonizando un curioso episodio con conflicto diplomático incluido con los aviadores españoles, Esteve, Loriga y Gallarza, que en esos momentos se encontraban realizando la gesta de cubrir la distancia entre Madrid y Manila y habían hecho escala en El Cairo. De vuelta en España, retomó su carrera artística y para ello marcha de nuevo a Italia para continuar con su formación como cantante y seguir ampliando su repertorio operístico. Allí regresó a los escenarios y cantó junto a la gran diva Toti Dal Monte, en los teatros más emblemáticos del país, como por ejemplo en el de La Fenice, de Venecia. En 1927 debutó en Madrid en el teatro de la Zarzuela con El barbero de Sevilla, acompañando a la mejor mezzosoprano de la época, Conchita Supervía. En el aria del primer acto se acompañaba él mismo a la guitarra y siempre el público le reclamaba uno o varios bises de la misma (desde pequeño tocaba magníficamente la guitarra). Su carácter sencillo y bondadoso le llevó a compaginar escenarios, desde los más elevados hasta los más humildes. Así, tan pronto cantaba en el Palacio Real en la cena de los Embajadores ante Alfonso XIII y Victoria Eugenia (lo hizo en múltiples ocasiones, por eso se le denominó como “el tenor de los Reyes), que interpretaba unos motetes en la Real Capilla el día en que tomó la birreta el cardenal de Toledo, cantaba el Himno de la Exposición Universal de Sevilla, actuaba ante más de 16.000 espectadores en la Plaza del Pueblo Español de Barcelona o se emocionaba ante los heridos de la guerra contra Marruecos en el Hospital de Carabanchel, a los que entregaba lo mejor de sí mismo con intervenciones más populares, en especial jotas, de las que fue un interprete muy especial, un verdadero maestro. Los días 4 y 5 de mayo de 1929, convertido ya en un verdadero divo y en loor de multitudes, bajo la dirección del maestro Arturo Saco del Valle, se presentó en el teatro Marín de Teruel con Manon y El barbero de Sevilla, en sendas funciones a beneficio de los niños tuberculosos de Sarrión y Teruel. El lleno fue total y el éxito absoluto. Hacia principios de los años treinta ya casi no se representa ópera en España, por lo que se dedicó sobre todo a la zarzuela, género en el que también alcanzó interpretaciones memorables, estrenando algunas de las más importantes del momento, es el caso de La moza vieja, del maestro Luna, Romero y Fernández Shaw, en cuyo estreno, en 1931, en el teatro Calderón, estuvo flanqueado por Celica Pérez Carpio, Flora Pereira y Aníbal Vela, o El ama, de Luis Fernández Ardavín y Jacinto Guerrero. Aunque quizá la zarzuela con la que más éxitos obtuvo fue con La Picarona, de Francisco Alonso. Cansado de las representaciones diarias que exigía el mundo de la zarzuela, se orientó hacia los conciertos (en plazas de toros y teatros de las principales capitales españolas) en los que interpretaba un variado repertorio de romanzas de ópera, fragmentos de zarzuelas, canciones italianas y españolas (algunas de las cuales eran escritas por él mismo, pues siempre fue un inspirado letrista) o jotas, con las que siempre cerraba sus actuaciones y regalaba al público con generosidad. En esos conciertos le acompañaba un pianista joven, Juan Quintero, al que había contratado para actuar en una ocasión en Zaragoza. El trabajo en común fue tejiendo una profunda amistad y una colaboración artística importante que alcanzó un éxito sin precedentes en su momento con la popular canción “Morucha”, escrita por Juan García y música de su amigo. En 1934 decidió formar una pequeña orquesta, integrada por doce profesores, para que le acompañaran en sus canciones. Así nació la agrupación “Juan García y su orquesta”, con la que recorrió España y Portugal. En 1935 inició una corta carrera cinematográfica de la mano de los destacados realizadores Edgar Neville y Benito Perojo, con los que grabó varios cortos y compuso algunas piezas musicales para sus películas. A comienzos de 1936, su espectáculo fue contratado por Radio Belgrano, de Buenos Aires, hacia donde embarcó. Nunca más volvió a pisar la tierra de España. Pero su patria siempre le acompañaba allá donde fuese, de manera que en todas sus actuaciones cantaba unas jotas, en especial títulos de fuerte sabor popular como la “Sarrionera”, “La regoldevera”, “No te subas a la parra”, “Despacico y callandico” o “La fematera”, de la que por cierto llegó a vender más de 500.000 copias de su grabación, un verdadero éxito para su época. Pese a dejar más de doscientas grabaciones, falleció en el olvido en la capital argentina el 14 de agosto de 1969 de un infarto. Fuente: Unión Musical de Carrión
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Tarragona (Tarragona)
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Zaragoza (Zaragoza)
JUDGE DREAD * 2 CD * The Legendary Judge Dread * PRECINTADO!! Reggae Ska JUDGE DREAD * 2 CD * The Legendary Judge Dread * PRECINTADO!! Reggae Ska Alex Hughe mas conocido como Judge Dread,es unos de los grandes del ska reggae de Inglaterra de todos los tiempos. A principios de los 70's fue cuando empezo todo su exito Gracias al single "Big Sitx" ya que gracias a el llego al numero 11 de los 50 exitos màs grandes de los años 1972-1973. un dato curioso de este artista fue de su record guiness,ya que el es el artista que tiene canciones mas censuradas de todos los tiempos. Fue el primer artista Blanco en tener exito ska reggae en Jamaica,Murio cantando en los escenarios en el teatro Penny Canterbury el 13 de marzo de 1998. Alex Hughes, mejor conocido como Judge Dread, fue y aun sigue siendo uno de los mas importantes cantantes de Ska y Reggae de todos los tiempos. Judge Dread fué, es y seguirá siendo una gran parte de la inspiración de los cantantes y bandas de reggae-ska en la actualidad. Judge Dread nació en Kent, Inglaterra en el año de 1945. Hay personas que fueron cercanas a Dread que dicen que cuando el era un niño de 7 u 8 años era muy amigable con todas las personas, si tu pasabas por la calle cercas de el, el te decia siempre hello ! Alright, boy !. Años mas tarde después de dejar la escuela, Dread se alojó con una familia Jamaicana, recordemos que el creció en Londres cuando llegó la primera ola de inmigrantes de Jamaica, y tan solo ese fue el primer paso para que el haya quedado enamorado de la música jamaicana para toda su vida. En los años 60´s Judge Dread fue una figura familiar en los West Indians Club´s de Londres, ya que trabajaba de Bouncer (Guarura, Seguridad, Saca Borrachos, por decirlo asi). De cararter alegre, Judge Dread conocio a Prince Búster y a Derrick Morgan “Mr. Skinhead Reggae” cuando estos visitaron Inglaterra en aquellos años en lo que dominaba era el Skinhead Reggae. Dread tambien fue Guardespaldas de los Rolling Stones y también trabajo como cobrador de deudas para Entretenimientos Comerciales y Trojan Records. Para mencionar una anécdota cuando el trabajó para entretenimientos comerciales el fue quien se encargó de arreglar los tours de los conciertos de Desmond Dekker y The Pioneers en sus giras por UK. Porque se puso Alex Hughes el nombre artístico “Judge Dread” ? Se puso ese nombre por el carácter de Prince Búster en la era de los Rude Boys. En 1969 Prince Búster tuvo un éxito mas con el sencillo “Big 5” una gran obscena canción basada en la versión de Brook Benton’s Rainy Night In Georgia, vendiendo miles de discos con su gran éxito.Pero en los principios de los 70´s Prince Búster empezó a caer en las listas de popularidad hasta llegar al grado de casi no vender discos. Judge Dread aprovecho ese momento para salir al mercado con su primer éxito: “Big Sixt”, con este disco Alex Hughes se reinvento el mismo como el hombre mas rudo del mundo, Judge Dread. La gente se sorprendio cuando observaron como un rubio ingles muy alto y de mucha barba estaba cantando Reggae y Ska. Con sus canciones de fuerte contenido, la sociedad británica lo criticaba mucho por las letras de sus canciones, pero las canciones claramente hablaban de la realidad de la injusticia y desigualdad y de la working class (clase obrera). Con su éxito “Big Sixt” llego al numero 11 en el top 50 de la lista de éxitos británicos entre los años de 1972-1973 por 27 semanas. Para entonces Judge Dread ya era una estrella subterránea y cuando el se presentaba a dar pequeños conciertos en los pubs era un hecho que el pub estaría muy lleno. También “Big Sixt” fue un éxito en Jamaica. Cuando se acabo el éxito de “Big Sixt”, el ya tenia otra sorpresa: el Big Seven. Para muchos este último fue mejor que el big sixt. Pero de cualquier forma ambas canciones merecen mucho respeto por la gran calidad. El siguiente éxito de Dread fue en el mes de abril del año de 1973 con “Big Eight”. Esta canción llego a estar tambien en el numero 11 de la exigente lista de exitos de Inglaterra. Entonces Judge Dread cambio un poco el estilo del reggae al de estas canciones para crear otro de sus grandes éxitos: “Je t´aime” llegando este al puesto numero 9 en Julio de 1975. En ese mismo año Dread creo otros 2 exitos que estuvieron en los primeros 20 lugares de la prestigiada lista británica, el primero fue “Big 10” y el segundo “Chritsmas in Dreadland” igualada con “Come Outside”. Ya para entonces siguieron muchos éxitos mas por nombrar tan solo algunos como este gran éxito que a mi en lo particular es la canción que mas me gusta de todo su repertorio: “The Winkle Man” (Un Reggae muy a su estilo bien suave) llegando al lugar numero 35 en Mayo de 1976, “Y Viva Suspenders” (numero 27, en Agosto de 1976). Los Nombres de sus discos mas famosos fueron Working Class ‘ero,” (1974), “Bedtime Stories,” (1975), “Last of the Skinheads” (1976), el best seller “40 Big Ones” (1980), and “Not Guilty” (1984). Como olvidarlos ! El legendario exitazo “Bring Back the Skins” y “Jamaica Jerk Off”. Ya en los siguientes años y hasta el día de su muerte, Judge Dread siguió dando conciertos con muchas bandas importantes de la segunda y tercera ola del Ska, por mencionar a la banda de Alemania Dr. Ring-Ding & The Senior AllStars. Un dato curioso de Judge Dread es sobre los records de Guiness. El es el artista que tiene mas canciones censuradas de todos los tiempos. Que cosas no ? Y es que sus canciones son tan divertidas, esas letras en las que se burla de muchos tipos de sociedad. Y Cabe mencionar también que el tenia solo músicos jamaicanos en su banda. En los años 70´s tan solo Bob Marley & The Wailers fue el unico artista en su genero que supero a Dread en tener mas éxitos en la exigente lista de hits Británica y en la venta de Discos. Su gran amistad que hizo con Desmond Dekker se debió a que el trabajó con él en las giras que hizo a Inglaterra. Hay un gran testimonio de que cuando Desmond Dekker llego al Numero 1 (si ! al numero uno!!) en el cada vez mas difícil chart Ingles con su inigualable “Israelites”, Judge Dread lo llevo a tocar en un Bar de Snodland llamado Savoy snooker club. Además tocaron juntos varios “Palomasos” de los exitos de Dekker y otros artistas. Que gran recuerdo se llevaron todos los asistentes a ese bar en ese día. Muchos años después, para ser mas exactos el día Viernes 13 de Marzo de 1998 dando una presentación en el teatro Thurday Night en la ciudad de Canterbury, Inglaterra, Judge Dread falleció de un un ataque del corazón. Al terminar la tercera canción, “Down on the Beach”, el cantante cayó al suelo. La gente creía que estaba de broma, porque siempre hacía cosas imprevisibles y espontaneas, pero en realidad había sufrido un ataque al corazón. Ya anteriormente había sido tratado de problemas cardiacos y diabetes, 18 meses atrás. Cuando llegó una ambulancia le metieron en ella, pero debido a un problema eléctrico esta no arrancaba. Entonces parte del público empezó a empujarla, intentando ponerla en marcha, pero no hubo manera. Para rematar la situación, alguién que vió a tantos punks empujando la ambulancia pensó que la estaban intentando robar y llamó a la policía. El resultado fue un completo enredo. Para cuando llegó una segunda ambulancia y le trasladaron al hospital, fue demasiado tarde. Desde luego, el final es digno de él: durante un concierto y totalmente caótico, parece sacado de una comedia de humor negro. Seguramente se habrá reido mucho, dondequiera que esté... Este álbum recoge en 2 discos sus dos grandes recopilatoris vol. 1 y vol 2 que aparecieron únicamente en vinilo. Sin duda un disco imprescindible. Precintado de fábrica!! Disc: 1 1. Je T'aime 2. Ska Fever 3. Hello Baby 4. Up With The Cock 5. Phoenix City 6. Bring Back The Skins 7. The Winkle Man 8. Big 6 9. Rudy (A Message To You) 10. Jamaica Jerk Off 11. Dread Rock 12. Rub A Dub 13. Lovers Rock 14. Big 9 Disc: 2 1. Big Eight 2. Fatty Dread 3. Reggae And Ska 4. Will I What 5. Al Capone 6. Y Viv A Suspenders 7. Dreads Law 8. All In The Mind 9. Deception 10. Come Outside 11. Big One 12. Take It Easy 13. Molly 14. Mary Ann
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Barcelona (Barcelona)
LOQUILLO Y TROGLODITAS - EL RITMO DEL GARAGE - VINILO ORIGINAL PRIMERA ED. DRO TRES CIPRESES 1983 LOQUILLO Y TROGLODITAS - EL RITMO DEL GARAGE - VINILO ORIGINAL PRIMERA ED. DRO TRES CIPRESES 1983 A su vuelta de la mili Loquillo no tenía nada, un grupo, eso si, y una actitud, además de un deseo, escapar del laberinto en que se había convertido Barcelona, bajo el prisma de Loquillo por supuesto. Así que convence a la banda y se van al Madrid de "La Movida" a buscarse la vida. Consiguen firmar con la incipiente Tres Cipreses, que posteriormente sería parte de DRO, un contrato discográfico para llevar al estudio una colección de temas de diversidad estilística que daría forma a su primer disco " El Ritmo del Garage ". El disco fue grabado durante la primavera de 1983 en los estudios DoubleWtronics, producido por el dueño del estudio Jesus N, Gómez.En el álbum termina colaborando todo el Madrid musical, por el estudio se pasean Jaime Urrutia, Poch, Ulises Malone, Julian Hernandez o Alaska. Junto a Alaska precisamente graban los dos temas que mas popularidad conseguirían, el homónimo " El Ritmo del Garage " tema garajero, juvenil y callejero, con una letra entre rebelde e inocente que se convirtió en un éxito de forma inmediata, arrastrado por la popularidad de Alaska, y el segundo single del disco " Quiero un Camión ". Así conviven en el disco temas puramente rockeros como " María ", magnífico rock'n'Roll con una letra que supone un homenaje al nacimiento al rock de una adolescente que se vuelve loca ante los primeros riffs que le envenenan el corazón, " Pégate a Mi ", enérgica canción de corte clásico que sigue siendo un tema habitual en los conciertos de la banda, tocada, como todo el disco, a una velocidad endiablada por unos troglos que echaban chispas en su actuación rockera, y la no tan recordada " Rocker City ", tema de orientación apocalíptica, (era la época), sobre un mundo debastado tras una guerra nuclear, muy ochentero en su connotación argumental y con un ritmo nuevamente vivo y adictivo. La garajera " Tejanos Rellenos ", con una letra entre cómica y lujuriosa, interpretada con actitud lasciva por el Loco y violencia sónica por sus Troglos. El surf de ambiente carcelario y estribillo frenético " No Surf ", que de siempre me ha maravillado por su impresionante dinamismo e intrepidez. " Un Accidente de Circulación " es el tema que mas pasa desapercibido del disco, medio ritmo de letra pesarosa sobre carreras clandestinas y fatales consecuencias, para mi un tema fantastico. " Barcelona Ciudad " es otro tema tocado a velocidad vertiginosa y que durante años cerraba los conciertos del Loco, con una letra crítica hacia la ciudad que les vio nacer, el tema esta subrallado por un teclado que le hace mas contundente aún si cabe, cerraba magníficamente este mítico disco. Y para el final hemos dejado la joya de la corona, bueno, una de las joyas de la música rock, y no rock, española, la preciosa, romántica, dolida, crepuscular y etílica balada " Cadillac Solitario ", uno de los temas clave del rock patrio, de tópica pero inmortal historia de amor roto, con resacoso despertar al abrigo de las palmeras del Tibidabo, mientras el sol empieza a alumbrar la ciudad y el dolor se viene arriba con las primeras luces, esas que recuerdan que lo de la última noche solo fue una tregua. Disco imprescindible en el rock español, fue el primer paso para dar inicio a una carrera que lleva mas de 30 años, un personaje querido y odiado a partes iguales, pero que siempre se ha acercado al rock con actitud y buenos trabajos, con bandas siempre mas que competentes y giras exitosas. Lista de canciones: 1.El ritmo del garage (con Alaska) [Sabino Méndez] 2.Rocker City [Sabino Méndez / José María Sanz] 3.Me convertí en un hombre lobo... [Sabino Méndez] 4.Cadillac solitario [Sabino Méndez] 5.Pégate a mí [Sabino Méndez] 6.Un accidente de circulación [Sabino Méndez] 7.María [Sabino Méndez] 8.Tejanos rellenos [Sabino Méndez] 9.Quiero un camión (con Alaska) [Sabino Méndez] 10.No surf [Sabino Méndez] 11.Barcelona ciudad [Sabino Méndez / José María Sanz]
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Castejón-Navarra (Navarra)
ten years after,alvin lee / free fall 1980, Blues Rock, AL KOOPER, org edt spain, todo impecable !! ten years after,alvin lee / free fall 1980, Blues Rock, AL KOOPER, org edt spain, todo impecable !! es toda una figura y ya podemos decir que incombustible de verdad,he tenido la suerte de verlo tanto en solitario como con su banda ten years after al completo en un concierto imborrable en mi memoria que fue su 1º reunion celebrado en en londres EN 1989..aqui le tenemos mucho cariño..!! el albun toda una belleza..lleno de composiones memorables, su guitarra suena profunda.......con La participacion del gran al kooper, RARA 1ª ORG EDT ESPAÑOLA, PRECIOSA CARPETA LAMINADA, SU ESTADO ES PRACTICAMENTE IMPECABLE ! hablar de Alvin Lee no es empresa fácil. Máxime cuando hablamos de una de las figuras más influyentes y, a la par, menos conocidas de la historia del Rock y el Blues Para hablar de Graham Barnes (nombre real de Mr. Lee) nos tenemos que remontar a los barrios de clase media del Nottingham de 1960. Alvin, fuertemente influenciado por unos padres amantes del Blues y el Jazz, comienza a tocar la guitarra a los 14 años. Cuando sólo tenía 16 años formó su primera banda, The Jaybirds, la cual cambió de nombre varias veces hasta convertirse en Ten Years After. La banda despegó demasiado pronto. Tuvo un éxito efímero fuera de Reino Unido, haciendo algunos shows en Alemania. Esto supuso una apertura de miras para Lee que consolidó el estilo propio de lo que, más tarde, sería su propia visión del Rock Psicodélico que hacían Ten Years After: un Blues demasiado salvaje para ser ortodoxo y un Rock demasiado extraño para ponerlos en la misma lista que a The Beatles. Esta visión particular de Ten Years After los catapultó como banda de culto incluso antes de ser una banda conocida en todo el país. Ten Years After obtuvo un contrato discográfico y comenzaron a tocar en varios festivales de cierto renombre. Seguían siendo desconocidos para la gran mayoría y casi siempre eran una banda de soporte, pero la calidad y la fiereza que desprendían dejaba huella poco a poco en los espectadores. Su primer disco, homónimo, tuvo un éxito modesto en Inglaterra. No obstante en Estados Unidos el álbum fue una pequeña sorpresa y el afamado promotor Bill Graham lo dispuso todo para prepararles varias giras (que al final se convirtieron en 28 en solo 7 años). En propias palabras de Alvin Lee: "éramos una gramola itinerante, tocábamos noche tras noche, ciudad tras ciudad. Tocábamos en la misma ciudad varias veces al año... era una locura". Se podría presumir que Ten Years After, con esa reputación ya serían una banda de renombre a esas alturas. Pero el mercado americano era muy diferente al inglés. Lo que un día estaba de moda, al día siguiente era olvidado por completo, y la promoción del grupo no era su fuerte, lo suyo era tocar en directo. Como ha pasado muchas veces a lo largo de la historia del rock, todos los grandes grupos tienen un instante glorioso que los hace volar del anonimato al estrellato en un lance de, llamémosle por esta vez, suerte. El bautizo de fuego de Ten Years After fue a priori "una actuación de soporte en un festival hippie modesto que se estaba fraguando en un rancho de Bethel (New York), donde debido a lo precario del cartel y el presupuesto sólo tocarían unos 15 minutos". Cuando a Alvin Lee le pasaron una de las cuartillas de propaganda con información del festival pudo leer bien claro y en alto "Woodstock. 3 Days of Peace & Music...". El resto, amigos, es historia. La actuación de Ten Years After, y en particular de Alvin Lee fue inmortalizada en el mítico film "Woodstock", y fue recordada como una de las más salvajes junto a las de Hendrix y The Who. A partir de ese momento, el olimpo de los dioses del Rock Psicodélico esperaba a Ten Years After. En total, llegaron a grabar diez albumes y es reconocida como una de las bandas más influyentes de todos los tiempos, pese a separarse en 1973. Tras la separación, Alvin Lee se dedicó a colaborar con otros artistas y a sacar su propio material en solitario. Tocando todos los palos desde el Country al Jazz, fue siempre un guitarrista en la sombra de su propio éxito. Quizás el no encasillarse en un solo estilo le hizo no tener suficiente repercusión en sus trabajos. A lo largo de los años ha grabado con gente tan dispar como Mick Taylor, George Harrison o John Mayall. Su estilo como guitarrista se puede catalogar de Blues Rock de tintes progresistas. Muchas de sus frases son recordadas como cánones actuales dentro del Blues Rock. Algunos grandes artistas como Joe Bonamassa, John Mayer, Richie Sambora, Andy Timmons o Derek Trucks le han nombrado como una de sus principales influencias. A título personal quiero recomendar un recopilatorio, Pure Blues (Capitol, 1995), que presenta lo mejor de Alvin Lee tanto en solitario como junto a Ten Years After. Para finalizar, qué mejor que escuchar la que, en mi humilde opinión, es su mejor y más desgarradora obra, así como una de las baladas más profundas que se han escrito jamás: The Bluest Blues. - Alvin Lee / Guitar, Vocals - Tom Compton / Percussion, Drums - Steve Gould / Guitar, Vocals - Derek Austin / Keyboards - Mickey Feat / Bass, Vocals - Al Kooper / Organ - Raphael Ravenscroft / Saxophone - Peter Thoms / TromboneTrack List: 01. I Don't Wanna Stop - 4:09 02. Take The Money - 4:26 03. One Lonely Hour - 4:47 04. Heartache - 3:10 05. Stealin' - 3:16 06. Ridin' Truckin' - 3:32 07. No More Lonely Nights - 4:26 08. City Lights - 4:00 09. Sooner Or Later - 3:31 10. Dustbin' City - 2:40
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Madrid (Madrid)
DOORS WAITING FOR THE SUN DOORS WAITING FOR THE SUN Acerca de este álbum Waiting for the Sun es el tercer álbum de la banda The Doors en 1968. Fue el primer álbum número uno en ventas, y «Hello, I Love You» fue su segundo single número uno. Casi la totalidad del material de este disco fue escrito antes y en los primeros años de la fundación del grupo, especialmente «Not to Touch the Earth», que fue sacado del largo poema de Jim Morrison «Celebration of the Lizard». Este poema estaba originalmente pensado para ocupar un lado de este disco, pero el grupo no pudo lograrlo (aunque fue grabado en forma completa en el disco Absolutely Live). Se considera que este álbum es «fuerte» en sus líricas, pero es criticado por su sonido suave, contrastante con el sonido tenso con el que la banda se había hecho famosa. Aun así, el álbum contiene cuatro clásicos casi indiscutidos, «Five to One», «Not to Touch the Earth», «Hello, I Love You» y «The Unknown Soldier». Durante las sesiones de grabación de este álbum, la banda grabó el tema «Waiting For The Sun», título que le da nombre al disco, pero ésta no se incluyó sino hasta el álbum Morrison Hotel de 1970. En el Perception Box Set, The Doors remasterizan toda su discografía, cada album incluye algunas «bonus tracks». PEDIDO MÍNIMO 10€ POR EL BAJO COSTE DE LOS ARTÍCULOS ANUNCIADOS, SE INFORMA QUE EL PEDIDO MÍNIMO ES DE 10€ TODOS LOS ENVÍOS SE MANDAN CERTIFICADOS POR CORREOS ENVÍOS EN PENÍNSULA Y BALEARES CERTIFICADO ¡GRATIS! PEDIDOS CEUTA, MELILLA, CANARIAS, INTERNACIONALES, SOLICITAR PRECIO DE GASTOS DE ENVÍO ANTES DE REALIZAR EL PEDIDO TODOS LOS ARTÍCULOS EN VENTA PERTENECEN A MI COLECCIÓN PRIVADA, SOLO DISPONIBLES UNA ÚNICA UNIDAD. PRODUCTOS DESCATALOGADOS GRAN OPORTUNIDAD COLECCIONISTAS PUEDE REALIZAR SUS PAGOS: TRANSFERENCIA O INGRESO EN CUENTA BANCO SANTANDER 100% SATISFACCIÓN EN VENTAS
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Madrid (Madrid)
Disco de Pizarra - Golondrina de mi Alero y Fado Blanquita - Mari Focela - Disco Pathe - 85736 Disco de Pizarra - Golondrina de mi Alero y Fado Blanquita - Mari Focela - Disco Pathe - 85736 Muy raro disco de Mari Focela - Mary Focela o cuando una artista de cabaret puso contra las cuerdas al catalanismo, 1919 Publicado el 4 marzo, 2017 A principios de 1919, en plena tensión a causa del Estatuto de Cataluña, una artista de cabaret llamada Mary Focela fue víctima de una campaña de odio por parte de los catalanistas a causa de su valiente defensa del patriotismo hispánico. A causa de ello se produjeron disturbios muy graves y se intentó hacerla callar. Actuaba con éxito en el teatro Goya de Barcelona con una obra musical llamada “Las hijas de Malasaña”, que glosaba la figura de Manuela Malasaña, muchacha patriota que luchó contra los franceses el 2 de mayo de 1808. En su honor se puso luego su nombre a un popular barrio de Madrid (aunque como tantas figuras heroicas de la historia de España, Malasaña hoy está prácticamente olvidada). En el momento de acabar la obra, Focela salía vestida de “maja” y con una bandera española y cantaba: Lucho como una leona al grito de viva España y es que por mis venas corre la sangre de Malasaña. Ello provocaba grandes ovaciones entre el público entre el que abundaban los militantes de la “Liga Patriótica Española”, de origen carlista que se solía enfrentar en la calle a los catalanistas. En la noche del 13 de enero de 1919, se presentaron en el local un gran número de catalanistas para impedir que representara la obra. El resultado fue un gravísimo enfrentamiento entre los jóvenes españolistas y los separatistas. Hubo 43 detenidos, decenas de heridos y se oyeron hasta disparos en la calle. La tensión en Cataluña y España era muy alta a causa del Estatuto (ver artículo “Así fracasó el primer Estatuto de Cataluña”) La catalanista “Lliga Regionalista” pidió en las Cortes que se prohibiera su actuación a lo que el Gobernador Civil accedió pero el malestar entre los catalanes hispánicos fue tal que tuvo que rectificar y Focela pudo volver a representar la obra algunos días después, recibiendo un ramo de flores y un homenaje de sus admiradores de la “Liga Patriótica”. Maria Focela Molina había nacido en Algeciras en 1899 y destacó a partir de 1913 como cantaora flamenca, intérprete de Canción Española y artista de cabaret. Obtuvo un cierto éxito en Madrid y otras ciudades aunque después fue quedando olvidada. Sin embargo, los historiadores más eruditos de la copla como Adrian Vogel recuerdan que Focela tiene un puesto en la historia de la copla ya que fue la primera artista en cantar el pasodoble “El relicario” del maestro José Padilla, uno de los mayores éxitos históricos del género coplero con el que luego triunfaría la famosa artista Raquel Meller. De hecho existe en internet una vieja grabación de la artista de Algeciras cantando “el Relicario”, donde, según los expertos, a pesar de la deficiente calidad del sonido se puede apreciar la talentosa voz de Focela. Rafael María Molina Sánchez. Historiador.
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Castejón-Navarra (Navarra)
marshall tucker band / Where we all belong 74 (DOBLE LP / ORIG EDIT USA / C DANIELS,E BISHOP !! EXC marshall tucker band / Where we all belong 74 (DOBLE LP / ORIG EDIT USA / C DANIELS,E BISHOP !! EXC ** PODEMOS ENVIAR TU COMPRA HASTA TU DOMICILIO DEL MODO MAS ECONOMICO* DOBLE LP !!!! !! 25 AÑOS VENDIENDO MATERIAL IMPORTADO ORIGINAL PARA COLECCIONISTAS DE TODO EL MUNDO !!!! * TE VENDEMOS MARCOS DE ALTA CALIDAD PARA ENMARCAR TUS DISCOS, PIDENOS INFORMACION AQUI UNO DE LOS MAS GRANDES ALBUNES DE SUREÑO DE TODOS LOS TIEMPOS..CON INVITADOS DE LUJO..COMO.. ELVIN BISHOP, CHARLIE DANIELS, PAUL HORNSBY,..ETC.. ATENCION A LA BESTIAL VERSION DEL CLASICO.. Everyday (I Have The Blues) SUREÑO GENUINO Y DEL BUENO..!!!!!! IMPRESCINDIBLE.. SENSACIONAL ALBUN, EDICION CON LA PRECIOSA DOBLE CARPETA TEXTURADA Y CONTENIENDO LOS 2 BONITOS ENCARTES INTERIORES DEL LABEL CAPRICORN...se puede pedir mas ???, gran copia !!!! TODO EN ESTADO EXC, UNA DE NUESTRAS MEJORES COPIAS HASTA LA FECHA !! si esta buscando este albun en su mejor edic, ya la encontraste ! La Marshall Tucker, fue la banda que cerró el triángulo de oro dentro del rock sureño junto a las otras dos más representativas del género, The Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd, teniendo cada una de estas formaciones caminos y orientaciones diferentes, pero tomando como base el sonido y sentimiento sureño como raíz de su música. El distintivo esencial de la Marshall y el sello único e inconfundible que marcó su obra fue el Country-Rock y la cultura "cowboy ", adoptando cierta actitud derivada del "salvaje oeste" en su música, llevada a cabo con gran acierto por los hermanos Toy y Tommy Caldwell. Nunca renunciaron a otros estilos como el rythm & blues, rock, blues o incluso el jazz, dada las aportaciones de unos magníficos, extraordinarios e incansables músicos que eran pura energía, sobre todo en sus memorables directos. Realizaban actuaciones increíbles, llegando incluso a ser delirantes para un público súper entregado. "Where We All Belong" doble álbum y tercero en su discografía, fue publicado en 1975 y se compone de una parte grabada en estudio y otra en directo, además de suponer un punto crucial en su carrera. Comienzan con el clásico "This Ol'Cowboy", un bello tema dedicado al héroe de Toy Caldwell, el actor y mito eterno del Western, John Wayne. Como dato anecdótico, posteriormente Caldwell le compraría el caballo que utilizó en 1969 en la oscarizada "True Grit" (Valor de ley). De claro estilo country-rock, con el uso de instrumentos propios del género como el banjo, Steel- guitar, la flauta o el violín, nos encontramos temas como "Low Down Ways", o una auténtica balada romántica "In My Own Way". El resto de temas de esta parte fueron grabados en los estudios Capricorn, todos ellos soberbios y podemos destacar "Where A Country Boy Legends", que contó con la ayuda de un guitarrista excepcional llamado Elvin Bishop, que en años anteriores participó con los Allman Brothers y en esta ocasión a la slide-guitar. En la parte de estudio, la Marshall estuvo formada por Toy Caldwell a las guitarras, su hermano Tommy Caldwell (bajo), George McCorkle (guitarra y banjo), Jerry Eubanks (flauta y saxo), Doug Gray (voz) y Paul Riddle a la batería. Estos eran los integrantes originales de la banda, a la que se incorporaron un buen número de músicos de reputado prestigio como fue el caso del legendario Charlie Daniels al violín, Paul Hornsby al piano, Johnny Vernazza a la slide y entre otros, al anteriormente mencionado Elvin Bishop. La segunda parte del álbum fue capturada el 11 de julio de 1974 en el Uhlein Hall Arts Center de Milwaukee, con la banda original y la inestimable colaboración de Charlie Daniels. Abren con la incendiaria y explosiva "Ramblin'", un tema rápido con un Toy imparable a la guitarra eléctrica, equiparándose a leyendas como Duane Allman. En "24 Hours At A Time", se puede disfrutar de uno de los temas más recordados y de una formación sobresaliente, ejecutando una colosal jam que se convertiría en su himno oficial. A continuación desgranando el clásico de B.B King "Everyday (I Have The Blues)", una Marshall pletórica nos obsequia con otro espléndido tema. Y para finalizar "Take The Higway", otro de sus clásicos. Unidos bajo un mismo sentimiento, "The Marshall Tucker Band" originarios de Spartanburg en Carolina del Sur nos dejan uno de sus álbumes más célebres, siendo uno de los mejores exponentes dentro del rock-sureño y narrándonos sus epopeyas por el "viejo oeste" como si fuésemos viajando en una antigua diligencia... Esta banda maravillosa formada en 1971 en Spartanburg, Carolina del Sur, por los hermanos Caldwell, Toy a la guitarra y Tommy al bajo, el cantante Doug Gray, el guitarrista George McCorkle, el batería Paul Riddle, así como Jerry Eubanks a las flautas, combinaba a la perfección el Rock, con el country, con el blues y con el Jazz. La banda adquirió un notable reconocimiento en los años 70 (época de apogeo del Rock Sureño), pero la muerte de Tommy Caldwell en accidente de coche en 1980, y el abandono de Toy Caldwell en 1982 para iniciar una carrera en solitario llevó a que la banda se disolviera en 1983. A finales de los 80 la banda se reformó, liderada por Gray y Eubanks, y con diversas formaciones y con muchos cambios, la banda sigue hoy en día, aunque lejos del esplendor de los años 70.- Yo reconozco que le tengo un cariño especial a esta disco, que está compuesto en parte por material de estudio, y en parte por grabaciones en directo. Destacan, además de la mencionada "How can i slow down", temas como "This Ol' Cowboy", "Low down ways", o la brutal "Ramblin'". Discazo de una banda formidable, que debeis escuchar si no conoceis, porque realmente eran fantásticos Track Listing 1. This 'Ol Cowboy 2. Low Down Ways 3. In My Own Way 4. How Can I Slow Down 5. Where A Country Boy Belongs 6. Now She's Gone 7. Try One More Time 8. Ramblin (Live) 9. 24 Hours At A Time (Live) 10. Everyday (I Have The Blues) (Live) 11. Take The Highway (Live) Track Listing 1. This 'Ol Cowboy 2. Low Down Ways 3. In My Own Way 4. How Can I Slow Down 5. Where A Country Boy Belongs 6. Now She's Gone 7. Try One More Time 8. Ramblin (Live) 9. 24 Hours At A Time (Live) 10. Everyday (I Have The Blues) (Live) 11. Take The Highway (Live)
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